Оля, как из экономистов ты переквалифицировалась в художники? Сложно было решиться? Что стало «последней каплей»?
Я начала рисовать 10 лет назад, и на тот момент уже переквалифицировалась из экономистов – стала фотографом. Я занималась детской и семейной фотографией, и уже тогда стало ясно, что быть экономистом – не мое. Я пошла в фотографию, потому что мне нужно было создавать картинки, мне это доставляло огромное удовольствие, но рисовать я не умела и не думала, что этому вообще возможно как-то научиться.
Я постепенно увлеклась рисованием, что-то стало получаться, и потихоньку это занятие так затянуло, что заняло большую часть моей жизни. В фотографии я, наверное, дошла до довольно высокого уровня: у меня была студия, были клиенты, заказы, и однажды я просто «выгорела», поняла, что больше не хочу этим заниматься. На помощь пришла живопись. Я была готова получать образование. В первую очередь, чтобы утвердиться в своем решении, в том, что я иду по правильному пути, и чтобы сделать на этом пути какой-то следующий большой шаг вперед.
Не могу сказать, сложно ли было решиться. Наверное, нет, потому что к тому моменту я очень устала от работы в фотостудии. Ребенок пошел в школу, мне надо было уделять внимание этому. Я узнала о наборе в Суриковку − на переквалификацию, на программу для взрослых с уже имеющимся высшим образованием. Это показалось логичным продолжением. Я закрыла студию и пошла учиться, в один момент отказавшись от бизнеса и дела, которое было развито и приносило доход. Внутри решение было принято, я уже не могла уговаривать себя заниматься не тем, чем хочу.
К чему надо готовиться перед обучением академической живописи? Часто приходится слышать, что классическое российское художественное образование убивает всю свободу творчества. Как ты к этому относишься?
Когда я шла учиться, мне нужно было и хотелось получить систему знаний – о рисунке, живописи, цвете, композиции. Такую базу, такие инструменты, на основании которых я могла бы потом свободно создавать свое творчество, не сталкиваясь с препятствиями, с нехваткой базовых знаний. Но все оказалось немного не так, как я ожидала.
Во-первых, концентрата знаний, которые я привыкла получать на тех же мастер-классах или в книгах, в классическом обучении нет. Обучение построено на том, что студент много работает самостоятельно, а педагог подходит и поправляет, помогает. Получается, педагог в основном критикует, указывает на слабые места. При этом тебе часто не хватает теоретических знаний о том, как исправить ошибки, не хватает понимания. Ясности я не ощущала, поэтому учиться было тяжело. Ты тычешься, как слепой котенок… Но за счет протяженности обучения получаешь навык самостоятельного поиска решений, учишься «насмотренности». Я открыла для себя много новых художников, начала по-другому смотреть на живопись. В том, что мне не нравилось раньше, я научилась видеть совершенно другое, красоту. Напротив, многие художники и стили перестали мне нравиться, казались теперь поверхностными.
Надо готовиться к тому, что обучение академической живописи – это не легко и не весело. Когда ты идешь на мастер-класс, то получаешь удовольствие, приятно проводишь время, тебя радует результат. Когда ты учишься академической живописи, то втягиваешься в трудный процесс, результат почти всегда не удовлетворяет тебя. Вот это недовольство собой и результатом, честно говоря, меня подкосило, мне было трудно с ним справляться, и какое-то время после окончания обучения мне было сложно вернуться к свободному самостоятельному творчеству, избавиться от критических голосов в голове. Мне было трудно разрешить себе создавать то, что хочется.
В академическом образовании есть задача научиться работать в традициях определенной школы. Речь идет не о творчестве, а о навыках. Творчество изгнано на задворки, и потом его сложно вернуть. Для этого нужны смелость и время, внутренняя перестройка. Нужно пройти через творческий кризис, но я думаю, что ты выходишь из него более сильной и крепкой, чем была раньше.
Что стало главным приобретением по окончании обучения? Кроме безусловных знаний, навыков и диплома?
Главным приобретением стала, конечно, среда, в которую я попала. Ты учишься с людьми, которые для себя так же выбрали профессию художника. Мы продолжили быть вместе, создавать что-то общее. Мы организовали творческое объединение, и оказалось, что вместе гораздо легче осуществить любой проект. Сейчас в группе нас около двадцати человек, мы постоянно обмениваемся идеями. Это очень ценно – быть в стае, быть не одиночкой, это поддерживает и помогает двигаться вперед. Поэтому я всегда советую художникам объединяться в группы, пусть в небольшие, пусть в несколько человек, но это поможет преодолеть сложности.
«Ветер в голове» - указано на твоем сайте oguseva.com о тебе самой. Однако, «ветер в голове» постоянно что-то планирует, никогда не опаздывает, так много всего успевает. В чем секрет твоей личной эффективности? Как ты планируешь занятия? Как совмещаешь творчество с воспитанием сына, бытом и т.д.?
Это точно про меня! Я много планирую, но успеваю не все, что бы мне хотелось. Может быть, со стороны кажется, что я много делаю. Мне же самой − что я целыми днями валяюсь на диване и только мечтаю о каких-то проектах. Раньше я ругала себя за это, заставляла себя заниматься чем-то полезным… Но в какой-то момент поняла, что надо от себя отстать, дать себе свободу в том, что хочется делать. Если хочется лежать, это не так плохо; это может быть связано с накоплением энергии, обдумыванием чего-то; нужно дать этому чему-то возможность вызреть внутри. Важно дать себе столько времени, сколько потребуется. Вторая стратегия: сделать что-то сразу, как только это пришло в голову, не слишком обдумывая, сразу переходя к действию, чтобы идея не «протухла» в голове.
Как показывает практика, мне трудно организоваться самой, поэтому я ищу внешние обязательства. Когда обязательств нет, честно говоря, велик риск раскиснуть и перестать что-то делать.
В вопросе совмещения творчества и быта, по-моему, самое главное – расставить приоритеты. У меня в приоритете творчество, я могу спокойно жить с грязным полом, но выполнить работу. Я стараюсь готовить заранее, замораживать еду, покупать готовую еду, к которой отношусь совершенно спокойно. Я привлекаю к домашним делам ребенка, даже если он сделает что-то неидеально. Такой подход не для всех, но сделать выбор приходится. Если быть с собой честной, у меня мало сил, мало энергии. Если я с утра потрачу всю ее на домашние дела, у меня не останется ничего для творчества. Вот этот маленький запас энергии мне приходится потратить четко на определенные вещи. Кто эти мифические люди, которые всю успевают?.. Главное, мне хорошо, у меня есть спокойное ощущение того, что я делаю что хочу.
Ты создаешь впечатление невероятно жизнерадостного человека с отличным чувством юмора. Ольга Гусева вообще бывает грустной, злой, подавленной? В чем твой секрет? Откуда этот оптимизм, эти яркие краски на холсте, в одежде?
Конечно, я бываю и грустной, и злой, и подавленной. У меня сильная склонность к депрессивным состояниям, очень высокая тревожность, я часто переживаю по многим поводам, даже без повода – о том, что только в моей голове. У меня такой склад характера.
Живопись меня спасает. Когда я рисую, мне хорошо, я возвращаюсь к балансу, душевному равновесию, успокаиваюсь, не тревожусь. Я ощущаю огромное счастье от этого занятия, это мое лечение. Все остальные состояния, конечно, бывают, но мне не хочется на них концентрироваться, не хочется транслировать их другим людям, потому что у всех есть свои проблемы, неприятности. Я стараюсь либо транслировать что-то хорошее, либо, если мне самой плохо в этот момент, отползти в норку и восстанавливаться своими способами – общаясь с близкими, заряжаясь в творчестве.
Активность у меня периодическая: я много общаюсь и пишу, занимаюсь новыми проектами, а потом наступает период усталости, упадка. Я спокойно отношусь к этому, стараюсь восстановиться. Много времени и душевных сил ушло на то, чтобы принять: все не будет идеально так, как я хочу, невозможно все время порхать и радоваться. Нужно просто принять это и использовать разные состояния себе на пользу.
Ты начинала с акварели, затем всерьез и надолго влюбилась в масло, в последние месяцы заметно увлечена пастелью. Как думаешь, масло останется для тебя приоритетным материалом?
Мне становится скучно работать с одним материалом, все время хочется пробовать разные материалы или их комбинации. Каждый материал имеет свои выразительные свойства и особенности. Часто один сюжет здорово смотрится в акварели, другой – в пастели. Иногда просто есть настроение поработать тем или другим. Иногда хочется переключиться. Например, масло для меня – достаточно энергоемкий материал; работая маслом, я сильно устаю. От работы акварелью сил прибавляется, а масло для меня – материал тяжелый, я с ним сражаюсь, но мне очень нравится результат. Именно в масле возможно достижение таких многообразных эффектов, которые недостижимы с другими материалами. Именно поэтому оно всегда интересно, к нему хочется возвращаться снова и снова. Масло – это работа, а не развлечение, как акварель. Пастелью мне работать легко, маслом – интересно, мне интересен результат. Думаю, масло останется приоритетным материалом, в паре с ним будет смешанная техника.
Почему масло, несмотря на запах, некоторые неудобства в использовании, остается востребованным? Это дань классике, особые ощущения при письме, особые яркость и фактура? Акрил когда-нибудь победит масло?
Масло позволяет, во-первых, передавать потрясающую глубину цвета, масло не меняет цвет и тон после высыхания, художник сразу работает с цветом итоговой картины. Это особые ощущения в письме, пластичность краски: можно работать жидкой краской, заливками, густо и пастозно; масло прекрасно смешивается, с ним можно образовывать бесконечные оттенки цветов. Бесконечны и варианты фактур – от гладких и прозрачных, лессировок – к многослойной живописи, крупным мазкам, комбинациям разных фактур в одной работе. У масла практически нет границ в использовании, это целая вселенная.
Неудобства, конечно, есть. Это очень грязное занятие, но масло остается классикой.
Победит ли акрил? По-моему, у акрила есть свои ограничения. Это вопрос личных предпочтений. Каждый художник находит свой материал, свою волшебную палочку… или не находит и пробует все подряд.
Расскажи о самой необыкновенной работе на пленэре. Было когда-нибудь холодно, сыро и неудобно, быть может, даже страшно?
Пленэр никогда не сравнится с работой в мастерской. Тебе может быть холодно или жарко, но все впечатления тебе удается сохранить в работе. Самый необыкновенный пленэр, наверное, у меня был на мосту, когда я рисовала рядом с железнодорожными путями Московского центрального кольца, и мимо пролетали скоростные поезда. Было довольно страшно, раскачивался мольберт, я боялась, что холст улетит прямо на пути. Но работа в результате получилась очень энергичная, это отмечают все, кто ее видит. В ней отразилась эта энергия, пусть мне было некомфортно в процессе ее создания.
Какие твои главные советы для тех, кто только решается работать на пленэре?
Я бы советовала, во-первых, найти компанию, не ходить в одиночку в первое время. Вам будет намного спокойнее и интереснее, найдется что обсудить потом. Во-вторых, нужно позаботиться о своем физическом комфорте: когда прохладно, одеться гораздо теплее, чем на прогулку, потому что вы будете стоять. Можно использовать согревающие стельки, взять грелку и/или термос с чаем, еду на перекус. Так можно спокойно погрузиться в живопись, не отвлекаясь на неприятные физические ощущения. Третий совет – найти место, где вы будете стоять спиной к стене, чтобы никто не мог зайти к вам за спину. Используйте наушники, чтобы погрузиться в творчество, в свой мир, чтобы вам не докучали никакими комментариями и попытками познакомиться. Возьмите большие наушники, чтобы их было видно со стороны. Страшно только начать!
Во что современному художнику обходится содержание мастерской? Легко ли ее найти? Можно ли делить ее с другими художниками?
Есть мастерские, которые выделяет Союз художников, но это долго и сложно, я не рассматривала этот путь, в Москве с этим еще сложнее, чем в регионах. Все остается на наших плечах. Найти мастерскую не очень трудно, можно использовать офис, нежилое помещение; например, в столице много старых заводов, которые переоборудованы под съем. Часто в них высокие потолки и большие окна. Можно объединяться с другими художниками, особенно если мастерская не нужна вам 24 часа в сутки. В есть группа «Ищу мастерскую», где периодически появляются объявления о поиске соседа или сдаче мастерской. Стоимость аренды в Москве – примерно 1000 руб. за м² в месяц. Часто к этому добавляются коммунальные расходы. Обычно при аренде надо вносить залог, иногда придется платить за парковку.
Расскажи о своей мастерской. Какая она? Что она для тебя значит? Это просто удобное помещение для работы или нечто большее?
Моя мастерская – это комната в моей квартире. У меня двухкомнатная квартира, одна комната – большой зал, вторая – маленькая. Сначала моим творческим пространством были стол и мольберт в большой комнате, где я жила и спала, затем я решила, что мне нужно отдельное помещение. Подумав, что гости приходят ко мне раз в год, а работаю я каждый день, я выделила под мастерскую зал – с большими окнами, куда я в том числе смогу пригласить учеников, полноценное место для работы и обучения. Я отказалась от гостиной в пользу мастерской, чем довольна до сих пор: все мои картины, материалы, столы заняли все пространство.
Моя мастерская – это большое пространство, с тремя окнами полукругом, с мольбертом для больших работ, настольным мольбертом для работ поменьше, с тремя столами. Если видов деятельности несколько, очень удобный вариант – завести несколько столов. Подумайте: это важно, пусть и странно. За одним столом я работаю за компьютером, пишу, это «чистый» стол, где я фотографирую работы, он стоит у окна. Второй стол – для графических материалов: карандашей, пастели, угля, для эскизов, набросков. Третий стол – для фрейминга, чтобы делать рамы, вырезать паспарту, оформлять небольшие этюды (большие приходится оформлять на полу). Отдельный шкаф у меня отведен под материалы, я стараюсь держать их в порядке. Масляные краски храню в передвижной тележке, чтобы легко перемещать их по комнате, от мольберта к мольберту, от стола к столу.
Конечно, мастерская – это не только место для работы, это особое пространство. Я могу прийти туда и просто сидеть, и через какое-то время я начинаю что-то делать: разбирать материалы, натягивать холсты… Через эти процессы я возвращаюсь к творчеству. Мастерская – место, которое мы насыщаем энергией, а потом оно возвращает энергию нам.
Мне нравится, когда в гости приходят покупатели, им интересно в моей мастерской. Моим картинам в большом пространстве хорошо, в них много воздуха.
Откуда чаще всего приходят покупатели твоих работ и приглашения для новых проектов? Эффективнее всего выставки, знакомства на тематических мероприятиях?
Эффективнее тот канал, для которого ты прилагаешь больше усилий. Для меня это и, как ни странно, хотя второй мне не так близок, как первый. Работы покупают больше через а через больше приходит учеников. Очень важны личные знакомства и связи, проекты в «реальном мире» чаще приходят через знакомства. Соцсети играют огромную роль, но нельзя забывать о важности живого общения.
Ольга Гусева вне творчества. Чем ты еще увлечена? Как проводишь свободное время?
Творчество захватывает все пространство, все свободные мысли. Но хорошо иметь занятия, чтобы разгружать голову. Я очень увлекающийся человек, могу броситься покупать оборудование для чего-то, разобраться в этом, но потом интерес остывает. Так случалось и случается со всеми занятиями, кроме живописи. В разное время это были: художественные куклы, танцы, спортивные занятия, включая йогу, психология и даже шитье. Из всех занятий извлекаешь что-то интересное, но главное мое увлечение – это загореться чем-то новым и за короткий срок разобраться в этом. Мне бы хотелось, чтобы какое-то спортивное занятие появилось в моей жизни, потому что от рисования часто страдают спина и плечи.
